De l’art ou du poisson ? 

Jos Houben nous livre une conférence clownesque bien ficelée sur l’art de faire rire un public. Le corps étant le support de notre humanité, sous une apparence affable, il s’en sert sans hésiter pour nous surprendre. Ce décalage entre son corps et son discours est tout à fait réjouissant, dans la veine de l’humour britannique.

Notre corps est composé de 3 niveaux, chacun ayant une fonction définie et indiquant nos intentions réelles dans la communication. Nos marches évoluent avec l’âge et notre état hormonal voire d’ébriété ! Tout est question de dignité, de verticalité qui nous donne cette contenance à tout prix. Pour éviter le ridicule et détourner le regard de l’autre. Ou s’y plonger? Les chefs qui sont détendus et immobiles dans leur satisfaction béate. La tension dans les muscles qui trahissent notre rang inférieur. Ce qu’on veut voir finalement chez les autres c’est notre propre fragilité qu’on cherche à cacher. Puis vient l’anthropomorphisme, cette manie d’imiter les animaux. Quel bonheur. Puis imiter un fromage ? La meilleure idée. La conférence se transforme en crise de rire de plus en plus bas vers le sol. Vers notre indignité. Vive l’horizontalité, seule capable de nous faire lâcher prise avec le sérieux.

Ce numéro subtile et terriblement efficace est un bijou de plaisir et d’intelligence analytique, sociologique et psychologique. On y apprend, toute ouïe et plié en 2, un bout de ce qui fait notre humanité.

Léna Moriceau

Porter et être porté

Ce spectacle raconte d’un côté ce que constitue un porté pour des acrobates, ce que ça implique, ce que ça veut dire. De l’autre, des accompagnants racontent ce que cela représente d’aider des personnes âgées en ehpad. Nous sommes plongés dans un rapprochement de deux humanités, celle qui porte et celle qui a besoin de soutien. Ce projet, issu d’une résidence de 3 ans, aboutit sur la démonstration en improvisation de portés entre un porteur, artiste circassien, et 4 femmes de 62 à 78 ans. Parfois avec une chaise, parfois plusieurs ou même une pyramide de chaises, ou sur un petit socle, ou sans, le porteur accompagne ces femmes dans des équilibres et des prises de risque dans une confiance mutuelle. On sent l’émotion dans la démarche de ces femmes qui se sont racontées en toute franchise, disant leur(s) passion(s), leur légèreté, les traces des difficultés, dans le corps ou bien la charge mentale. Le porteur leur permet de vivre des portés dans la fluidité et la facilité, pour enfin se décharger. Les équilibres sont des métaphores de la réciprocité dans les relations. Une belle aventure qui touche assez directement et nous rappelle que l’âge n’offre que des possibilités et que l’on peut toujours repousser ses limites. On se met à la place de ces femmes qui nous offrent un sentiment puissant de vie et d’être en lien avec les autres. Un lien physique et émotionnel, mais surtout universel.

Léna Moriceau

Des balles de rire

Pour voir Mousse, le public est installé dans un bel écrin de verdure à Acigné face au soleil couchant. Une attente douce pendant que les deux artistes sur scène jouent à démarrer le spectacle. Il allume la musique puis l’éteint. Elle hésite à démarrer, elle démarre mais en hésitant. Les deux artistes proposent un solo avec l’appui d’un ami en 18 parties. Il s’agit de parler de solitude sur scène, face au public, en tournée, dans la vie, dans les loges, dans les bons et les mauvais moments. En toute complicité, ils racontent leurs numéros de jongle au micro pour être compris. A travers des gags absurdes de chutes de balles, de jardinier qui arrose sa plante, d’eau qui arrose le partenaire, de chanter ses chansons post-ruptures au karaoké, il s’agit de chercher faussement la performance au service du rire. A un moment donné se pose la question de se contenter du vide. Etre là, juste exister. Le public est balloté entre la surprise, l’enthousiasme et le rire, beaucoup de rire. C’est une poésie à la fois joyeuse et mélancolique de deux êtres complices qui se livrent à notre jugement. En se montrant vulnérables et en tentant de tout relativiser, ils déroutent et finissent par toucher droit au cœur. Après les applaudissements, la partie 5 du spectacle est proposée en surprise, c’est une magnifique danse avec les balles en point magistral pour le plus grand plaisir du public.

Léna Moriceau

La force du collectif

L’ensemble des 19 circassiens danseurs sur une vaste scène blanche se présente comme un groupe d’êtres vivants d’une espèce à part. Ils proposent une succession de portés acrobatiques dansés d’une haute technicité qui atteignent des sommets vertigineux. Ils nous tiennent en haleine jusqu’à la fin avec une pyramide créée grâce à  un escalier humain. La danse est à la fois ancrée et aérienne, elle constitue le liant fluide au service des acrobaties. La sensation globale est celle d’une matière vivante, grouillante et libre. Quel plaisir de voir ce grand nombre d’interprètes sur un plateau. On a l’impression d’assister au ballet virtuose d’une nuée d’oiseaux orchestrant la démonstration de sa puissance poétique. Möbius est ce symbole d’un ruban fermé en torsion qui a inspiré la pièce : il existe, si on le décide, un chemin qui permet de passer sans rupture de la nature à la culture. Autrement dit, le monde inclut la nature et la civilisation sans discontinuité et il nous appartient, quelle que soit l’espèce à laquelle on est affilié, de faire vivre cette unité. Dans leur admirable unité, la compagnie XY démontre la force du collectif. Celui-ci met en valeur les individus dans une composition équilibrée entre solos et ensembles. Ils.elles sont chacun.e une cellule du corps commun. Ils sont “inter-aidants” : le collectif porte chacun.e, apporte de la solidarité quand l’un.e devient plus vulnérable, permet d’être ambitieux, de prendre des risques grâce aux liens formés. Cette idée rend l’espèce humaine plus humble. De surprise en surprise, de remontée d’organe en larme de soulagement, Möbius se déroule de façon magistrale et imprime sa marque.

Léna Moriceau

Découverte de Man Fan Laa, un cirque sensible et puissant

Sous une lumière tamisée, j’aperçois une pyramide constituée de barres de bois, dans laquelle cinq acrobates s’éveillent. Les bras s’ouvrent peu à peu, les corps se séparent, grimpent puis redescendent, au rythme des percussions de plus en plus présentes.

Ce dont je me rappelle, c’est la puissance de ce son ainsi que celle des acrobates de la compagnie Sencirk. Mais aussi les chants, les paroles, qui me transmettaient cette énergie, le calme, la douceur, les doutes ou bien la force et la joie. Les spectateurs eux, n’ont pas hésité à encourager les artistes, face à leur performance éclatante. J’avais d’ailleurs devant moi, l’un de leur ancien professeur, très ému de les voir en scène et dansant avec eux depuis son siège ! Intrigant par leur mélange d’objets du quotidien (propres de la culture Wolof), de break dance, de danses traditionnelles ainsi que de cirque, ce spectacle m’a paru aussi impressionnant que touchant.

Léa Rabusseau

« Ma maladie, je ne sais pas si c’est une contingence ou une nécessité. »
Martin Palisse

Lorsque nous entrons dans la salle pour voir Time to tell de la compagnie L’Unijambiste, nous nous asseyons sur des gradins placés face à face. Entre les deux, un rectangle blanc éclairé et longé par des fluos. Sur ce rectangle est posé une caisse bleue, un micro et un tourne disque. Martin Palisse entre habillé d’un débardeur et d’un short noir, le corps constellé de tatouages. Il nous regarde, s’assoit sur la caisse, sort des balles bicolores blanches et noires et des balles unis, prend le micro et commence à nous raconter son histoire. Avec sa voix et des enregistrements, nous en apprenons davantage sur sa maladie : la mucoviscidose. Quel est son rapport avec elle et quel est celui avec la jonglerie, seule activité physique qui ne le mène pas à bout de souffle ? Dès lors, nous sommes entraînés dans un flot d’anecdotes, d’expériences, de sensations mais surtout, nous sommes entraînés dans des moments hypnotiques où jongler est aussi instinctif pour Martin Palisse que marcher ou faire du vélo pour autrui. Il jongle de façon minimaliste, il court, il tourne jusqu’à la limite de son souffle ou jusqu’au bord de la transe. Nous assistons à une sorte de thérapie par la balle où jongler et parler délivre Martin Palisse de ce qu’il peut vivre quotidiennement.

Héléna Pinel

Quand je suis allée voir Tout / Rien, je n’avais rien lu ou vu du spectacle, j’ai fait le choix d’y aller à l’aveugle, par curiosité. Nous étions placés dans un petit gradin, dans un cadre intimiste et une atmosphère calfeutrée, dans le noir. Le spectacle m’a d’abord paru étrange en voyant Alexis Rouvre, assit derrière sa table de manipulation en train de tricoter. Puis c’est devenu hypnotique lorsque j’ai remarqué que tous les spectateurs fixaient la manipulation très précise du fil dans le calme absolu. Je me suis aussi laissée porter par le son produit par les chaînes en mouvement et les jeux de lumière. Toutefois, ma surprise ne fut pas dans l’apparition ou la disparition magique des objets, mais au contraire que l’artiste nous invite à deviner comment chaque chose se fait. Les objets ne nous sont pas étrangers, du tricot aux tasses, en passant par les chaînes et les aimants. Je me suis surprise à laisser vaquer mon imaginaire et à m’émerveiller, alors même que j’avais conscience des ficelles de l’artiste ! De même que le jeu du caché-montré et de la lumière éteinte-allumée pour changer les objets de position nous ont vraiment fait rire. Ce spectacle m’a permis de découvrir le cirque d’objets avec plaisir et de voir comment la poésie peut émerger de ce « rien ».

Léa Rabusseau

Tout / Rien, d’Alexis Rouvre, c’est un spectacle de magie en clair-obscur qui donne à voir des objets-matériaux sur un petit plateau en demi-cercle, sorte de mini arène de cirque. RIEN que le moment où l’on entre sur le plateau, ça fait TOUT.
Tous les spectateurs sont invités à entrer d’un coup. Je me sens comme une petite souris qui va se trouver une petite place dans cette pièce sombre. Tous font silence dès le début. Impressionnante écoute de tous ces enfants pourtant si impatients d’entrer.
L’effet de surprise est efficace. Une toile tissée d’un fil interminable, des chaînes de perles versées dans des tasses métalliques, des pendules qui se balancent, des pierres jonglées, des aimants presque vivants… Ces matériaux prennent vie et nous invitent à les contempler dans une atmosphère intimiste. Succession de tableaux visuels et sonores dans la pénombre. On sent l’espièglerie et le goût de l’expérimentation scientifique de cet artiste manipulateur de matériaux et de nos sensations.
Il y a cet instant de surprise où je me demande d’où viennent ces bruits de pluie torrentielle tout autour du public. Le fait d’être dans le noir complet impressionne et renforce le volume sonore. Je me sens à la fois captive et privilégiée d’assister à ce moment, un cadeau sensoriel.
Un autre moment marquant est le passage d’un tableau à la lumière cuivrée qui neutralise les couleurs à un tableau aux couleurs vives. Comme une peinture de nature vivante. Bluffant.
C’est finalement la lumière qui crée la magie et l’obscurité qui illumine les sons.
Avec mon regard d’enfant, j’ai eu envie d’aller explorer son arrière-boutique qu’est sa table de jeu, son petit laboratoire. J’ai eu envie de jouer avec les aimants et de trouver les boutons qui déclenchent la magie… Et en même temps, entre-apercevoir les secrets des mécanismes sans vouloir toucher à rien. Comprendre le déclenchement du coulant gravillonneux de ces chaînes de perles interminables qui se déversent d’elles-mêmes sur le sol, jouer avec les tasses, la pelote de fil, les cailloux qui font de la poussière… Tout ça donne envie d’aller mettre les mains dans la matière et d’aller créer soi-même des scènes de magie visuelle et sonore.
L’idée globale que je retiens est l’expérimentation de formes et d’effets à partir de différents matériaux, expérimentation dans laquelle l’artiste joue à se perdre, apparaître et disparaître, faire partie des matériaux et parfois les laisser prendre vie et mener leur scénographie.
Un moment de grâce et de jeu qui invite à la curiosité et à la sensorialité.
Le temps qui passe très vite dans ce spectacle est rythmé par les petits sons métalliques et légers de ces objets. Je dirais que le temps s’égrène perle après perle, dans la contemplation des formes, des ondulations, des balancements. La lumière-pendule de la fin illustre bien cette métaphore dramatique du temps qui passe au rythme du balancier. Le temps qui passe et comment on l’occupe.
Ces perles seraient donc les marqueurs du temps. Marquent-elles l’ennui, celui qui invite à créer ?
Les spectateurs, dans le silence et la discrétion, ne semblent pas s’ennuyer du tout.

Léna Moriceau